Paul Klee | AustriaWiki dans le Forum Autriche


La vie

Enfance et temps scolaire

Lieu de naissance de Paul Klee; le bâtiment de l’école Paul Klee d’aujourd’hui à Münchenbuchsee

Paul Klee était le deuxième enfant du professeur de musique allemand Hans Wilhelm Klee (1849-1940) et de la chanteuse suisse Ida Marie Klee, née Frick (1855-1921). Sa sœur Mathilde († 6. Décembre 1953) est arrivé le 28 Janvier 1876 à Walzenhausen dans le monde. Le père est originaire de Tann (Rhön) et a étudié la voix, le piano, l’orgue et le violon au Conservatoire de Stuttgart. Là, il a rencontré sa future épouse Ida Frick. Jusqu’en 1931, Hans Wilhelm Klee a travaillé comme professeur de musique au Bern State Seminar à Hofwil près de Berne. C’est grâce à ce fait que Klee a pu développer ses compétences musicales grâce à la maison de ses parents; ils l’ont accompagné et inspiré jusqu’à la fin de sa vie.[2]

Paul Klee comme étudiant, 1892

En 1880, la famille a déménagé à Berne, où en 1897, ils ont déménagé dans leur propre maison dans le quartier de Kirchenfeld après plusieurs changements de résidence.[3] De 1886 à 1890, Klee a fréquenté l’école primaire et a reçu des cours de violon à l’école de musique municipale à l’âge de sept ans. Il a rapidement maîtrisé le violon si magistralement qu’il a été autorisé à jouer en tant que membre extraordinaire de la Bernische Musikgesellschaft quand il avait onze ans.

Mon standDessin de 1896
Centre Paul Klee, Berne

Les autres intérêts de Klee étaient le dessin et l’écriture. Il y a d’innombrables caricatures dans ses livres et brochures scolaires. Avec l’aide du stylo à dessin, il a capturé très tôt les silhouettes des villes environnantes telles que Berne, Fribourg dans l’Üechtland et le paysage environnant.[4] Cependant, son talent de dessinateur n’a pas été promu parce que ses parents voulaient le former à devenir musicien. En 1890, Klee déménage au Progymnasium de Berne. En avril 1898, il commence à tenir un journal qu’il complète jusqu’en décembre 1918; il l’a édité la même année et l’a commencé avec le titre « Memories of Childhood ».[5] En septembre 1898, il est diplômé du lycée littéraire de Berne. Il quitte la Suisse pour poursuivre sa formation et s’installe à Munich pour étudier l’art. Avec cette décision, il s’est rebellé contre la volonté de ses parents. Outre son désir d’émancipation, il avait une autre raison pour lui de ne pas choisir la musique: il voyait déjà le pic de la création musicale dépassé et n’appréciait pas les compositions modernes.[6]

Études et mariage

À Munich, Paul Klee a d’abord étudié le graphisme à l’école de peinture privée de Heinrich Knirr parce qu’il avait été rejeté à l’Académie des beaux-arts de Munich. Parmi ses camarades de classe se trouvait Zina Wassiliew, qui a épousé Alexander Eliasberg en 1906; le couple faisait partie du cercle d’amis de l’artiste.[7][8] À partir de 1899, Klee se forme avec Walter Ziegler dans la technique de la gravure et de la gravure. Il appréciait la vie étudiante détendue et avait de nombreuses relations avec de jeunes mannequins pour « avoir une expérience sexuelle plus raffinée »[9] obtenir. En février 1900, Klee emménagea dans son propre studio et changea le 11 Octobre 1900 à l’académie d’art dans la classe de peinture de Franz von Stuck, dans laquelle Wassily Kandinsky étudie en même temps.[9] Klee, qui n’avait pas grand-chose à voir avec les cours, n’a pris part aux cours que sporadiquement et n’a donc pas encore connu Kandinsky. En mars 1901, il quitte à nouveau l’académie.

Au cours d’un voyage d’étude de six mois du 22 Octobre 1901 au 2. Mai 1902 avec le sculpteur Hermann Haller en Italie, qui passe par Milan, Gênes, Livourne, Pise, Rome, Porto d’Anzio, Naples, Pompéi, Sorrente, Positano, Amalfi, Gargano et Florence, trois expériences sont déterminantes pour son expression artistique « Une fois l’architecture de la Renaissance à Florence, les palais des églises qui font de la ville des Médicis une œuvre d’art totale, son élément constructif, les secrets du nombre structurel, les proportions », d’autre part, Klee a eu « l’imagination et la fantaisie pour la première fois dans l’aquarium de Naples » les formes naturelles, leur splendeur de couleurs, le conte de fées de la faune et de la flore marines »et troisièmement« la sensibilité ludique des tableaux gothiques de Sienne ».[10]

acte, 1905, crayon et aquarelle sur papier sur carton, Fondation Paul Klee,
Musée d’art de Berne, Berne

Après son retour d’Italie en 1902, Klee a vécu dans la maison de ses parents jusqu’en 1906 et a gagné sa vie en tant que violoniste au Bernische Musikgesellschaft,[11] lors de ses concerts d’abonnement, il a également travaillé comme critique et remplaçant,[12] et a poursuivi sa formation artistique en suivant des cours d’anatomie et un cours d’anatomie. En 1903, la première des dix gravures créées jusqu’en 1905 a été créée, dans le cycle Inventions sont résumés.[13] En 1904, Klee étudie les illustrations d’Aubrey Beardsley, William Blake et Francisco de Goya au Kupferstichkabinett de Munich, qui, comme le travail graphique de James Ensor, l’ont impressionné à cette époque.[14]

En mai et juin 1905, Klee part en voyage à Paris avec ses amis d’enfance, l’artiste en herbe Louis Moilliet et l’écrivain Ernst Bloesch (1878-1945), où il étudie l’art ancien au Louvre et à la Galerie des Dédié au Palais du Luxembourg. C’était l’année où Klee a vu pour la première fois l’impressionnisme et a commencé à peindre derrière une vitre en automne.[15]

La sœur de Paul Klee Mathilde, épouse
Lily avec fils
Felix et ses parents Hans et Ida Klee (Berne 1908)

En 1906, Klee a visité l’exposition siècle de l’art allemand à Berlin et a finalement déménagé à Munich en septembre de la même année, où il Septembre épousa la pianiste Lily Stumpf, qu’il avait rencontrée en 1899 lors d’une soirée de musique de chambre. Un an plus tard, le 30 novembre 1907, le fils Félix est né. Klee s’est largement occupée de l’éducation des enfants et du ménage dans son appartement à Schwabing, Lily Klee a pourvu à ses moyens de subsistance en abandonnant des cours de piano au lieu de jouer en tant que pianiste.[12]

En mai 1908, Klee devient membre de l’Association des artistes graphiques suisses Le rouleau et a participé la même année avec trois œuvres à l’exposition de la Sécession de Munich, avec six œuvres à la Sécession de Berlin et à l’exposition au Palais de verre de Munich. Klee a parlé des performances musicales dans le magazine suisse Les Alpes en 1911 et 1912.

Connexion au « Blue Rider » en 1911

En janvier 1911, Klee rencontre Alfred Kubin à Munich, qui l’encourage dans le projet Voltaires Candide pour illustrer. À cette époque, le travail graphique de Klee occupait beaucoup d’espace et la tendance de Kubin à être sarcastique, bizarre et ironique était très importante. Il est non seulement devenu ami avec Klee, il est également devenu son premier collectionneur bien connu.[16] En 1911, par l’intermédiaire de l’agence Kubin, Klee rencontre le critique d’art Wilhelm Hausenstein et est membre fondateur de l’Association des artistes de Munich à l’été de la même année. Semadont il est devenu le manager.[17] À l’automne, il a rencontré August Macke et Wassily Kandinsky. En hiver, il rejoint l’équipe éditoriale de l’Almanach fondé par Wassily Kandinsky et Franz Marc Le cavalier bleu sur. Les autres employés étaient August Macke, Gabriele Münter et Marianne von Werefkin. Au cours des quelques mois de son travail, Klee est devenu un membre important et indépendant du Cavalier bleu, cependant, on ne peut pas parler d’intégration complète.[18]

La Galerie Goltz à Munich, 1912

Cependant, la publication de l’almanach a été reportée au profit d’une exposition. La première des deux expositions du Cavalier bleu a eu lieu du 18 1911 au 1 décembre Janvier 1912 dans la galerie moderne Heinrich Thannhauser à Munich. Klee n’était pas représentée dans cette exposition; dans la deuxième exposition, qui a eu lieu du 12. 18 février En mars 1912, à la Galerie Goltz, 17 œuvres graphiques lui sont exposées. Cette deuxième exposition a été appelée par programme Noir et blanc, car elle ne considérait que les graphiques imprimés.[19] Kandinsky et Marc ont donné l’almanach, qui était déjà prévu en 1911 Le cavalier bleu publié en mai 1912 par Piper Verlag, dans lequel le dessin à l’encre Steinhauer Klees avait été reproduit. En même temps, Kandinsky publie ses écrits théoriques sur l’art À propos du spirituel dans l’art.[20]

Participation aux expositions 1912/1913

Lors d’un deuxième séjour à Paris du 2 au 18 avril 1912, Klee et son épouse Lily visitent la galerie de Daniel-Henry Kahnweiler et la collection de Wilhelm Uhde, voient des œuvres de Georges Braque, André Derain, Henri Matisse, Pablo Picasso, Henri Rousseau et Maurice de Vlaminck, a rencontré Henri Le Fauconnier et Karl Hofer et le 11 avril Robert Delaunay dans son atelier parisien. Du 25 mai au 30 septembre 1912 à Cologne, quatre dessins de Klee ont été présentés à l’Exposition internationale d’art de l’Association spéciale des amis et artistes de l’art ouest-allemand à Cologne en 1912. En décembre 1912, Paul Klee reçut l’essai de Robert Delaunay À propos de la lumière (La Lumière) à traduire pour le magazine d’art de Herwarth Walden La tempête à Berlin, que Franz Marc lui avait apporté de Paris et qui parut dans le magazine d’art en janvier de l’année suivante.[21] Lors de son séjour à Paris, Klee avait découvert les tableaux de Delaunay et reconnu « le type d’un tableau indépendant qui mène à une forme complètement abstraite sans motifs de la nature … », comme il l’écrivait dans une revue d’exposition en 1912.[22] Après avoir fait la connaissance de Delaunay, la compréhension de Klee de la lumière et de la couleur a fondamentalement changé en essayant de mettre en œuvre les suggestions de Delaunay dans ses images et ses feuilles, en leur donnant plus de couleur et en obtenant des effets uniquement à travers les contrastes et les différences de tons.[23] À partir de septembre 1913, il participe à l’exposition Walden du premier salon d’automne allemand à Berlin avec des aquarelles et des dessins.

Voyage à Tunis 1914

Motif de Hammamet1914 aquarelle
Kunsthalle Basel, Bâle
Vue de Saint-Germain, 1914, aquarelle sur papier, Columbus Museum of Art, Columbus, USA
Vue depuis Kairuan, 1914, aquarelle et crayon sur papier sur carton,
Musée Franz Marc, Kochel am See

Le 3 avril, Klee a entrepris un voyage d’étude de trois semaines en Tunisie avec August Macke et Louis Moilliet. Le voyage qui l’a mené à la peinture a conduit de Berne via Lyon et Marseille, avec des voyages parallèles à Saint-Germain (plus tard Ezzahra, arabe الزهراء), Sidi Bou Saïd, Carthage, Hammamet, Kairouan et retour via Palerme, Naples, Rome, Milan, Berne à Munich. Contrairement à Macke et Klee, Moilliet a à peine peint sur le voyage. Klee était le seul des trois peintres à tenir un journal décrivant l’entrée de Tunis:

«Le soleil a un pouvoir sombre. La clarté colorée sur un terrain prometteur. Macke le ressent aussi. Nous savons tous les deux que nous travaillerons bien ici. »

Les aquarelles de Klee avaient tendance à être plus abstraites, Macke préférait des couleurs plus fortes, tandis que Moilliet peignait des zones beaucoup plus grandes. Cependant, vers la fin du voyage, il y avait une influence mutuelle, comme le montre la comparaison des œuvres des trois artistes, qui sont apparues à la même époque. des exemples sont Kairouan III par Macke, Klees Vue depuis Kairouan et Moilliets Kairouan.[24][25]

Klee a peint, sensibilisé par la compréhension de Delaunay de la couleur pour la lumière intense et les couleurs du sud, plusieurs aquarelles, qu’il considérait lui-même comme d’une grande importance pour son travail artistique ultérieur. Il a donc écrit le 16 Avril dans son journal:

« La couleur m’a fait. Je n’ai pas à la poursuivre. Elle m’a pour toujours, je le sais. Cela a du sens pour l’happy hour: moi et la couleur ne font qu’un. Je suis un artiste. »[26]

Des recherches ultérieures ont révélé que Klee pourrait avoir ajouté à son journal plus tard.[27] Voir également la section ci-dessous: Journaux édités de Klee. Après leur retour, la première exposition de l’association d’artistes « Neue Münchner Secession », fondée en 1913, ouvre en mai 1914. Klee est membre fondateur et secrétaire du groupe issu de la fusion d’artistes de la Sécession de Munich, de la Neue Künstlervereinigung, de la « Sema » et de la « Scholle ». L’année suivante, il rencontre le poète Rainer Maria Rilke, qui est autorisé « à avoir une quarantaine de feuilles de Klee dans sa chambre » sur une période de plusieurs mois.[28]

La Première Guerre mondiale a commencé un peu plus tard. August Macke est décédé sur le front ouest en France le 26 septembre 1914.

En tant que soldat en guerre

Paul Klee comme soldat, 1916

Le 5 mars 1916, Klee a reçu son projet d’ordre en tant que soldat Landsturm dans l’armée bavaroise. Fils d’un père allemand qui n’avait jamais tenté de naturaliser son fils en Suisse, Klee a été enrôlé pendant la Première Guerre mondiale. Le jour de sa convocation, il apprend que son ami Franz Marc est décédé à Verdun.[29] Après avoir terminé sa formation militaire de base, qu’il a commencée le 11 mars 1916, il a été déployé comme soldat derrière le front. Le 20. August Klee est venu au chantier naval de l’aérodrome de Schleißheim, où il a accompagné les transports aériens et effectué des travaux manuels, tels que la réparation du camouflage de l’avion. Le 17 En janvier 1917, il est transféré à l’école d’aviation V de Gersthofen, où il travaille jusqu’à la fin de la guerre en tant que commis du trésorier. Il a donc été épargné par une affectation frontale et a pu continuer à peindre dans une pièce à l’extérieur de la caserne.[30]

Dans la galerie de Herwarth Walden La tempête il y a eu une première exposition de ses aquarelles abstraites en mars 1916, une deuxième en février 1917. Les ventes étaient bonnes et Walden a demandé de nouvelles œuvres parce que le marché de l’art a répondu positivement. Paradoxalement, quand Klee a été appelé, il a réussi avec des photos destinées à documenter son départ de la guerre.[31] En 1918, Klee a réalisé la percée artistique et commerciale en Allemagne. Ainsi, il pouvait vendre des images seul à Walden pour 3460 marks.[30] Qui est apparu la même année Tempête-Livre d’images Paul Klee, publié par Herwarth Walden.

En juin 1919, les étudiants de l’académie de Stuttgart Willi Baumeister et Oskar Schlemmer soumirent une proposition au ministère responsable pour nommer Paul Klee comme successeur d’Adolf Hölzel à l’Académie des beaux-arts de Stuttgart. Paul Klee était positif à propos de cette suggestion; cependant, il a échoué à l’automne de l’année en raison du refus de l’académie du directeur Heinrich Altherr.[32]

Première exposition personnelle à Munich 1920

Magnifique atterrissage ou « 112! »Aquarelle 1920
Musée d’art moderne, New York

Grâce à l’intermédiation d’Alexej von Jawlensky, Klee a rencontré la galeriste Galka Scheyer en 1919, qui, à partir de 1924, a fondé l’association d’artistes «sous le nom de groupe Die Bleu Quatre / Le Bleu Four est représenté aux États-Unis et souhaite promouvoir la diffusion de leurs idées artistiques à travers des expositions et des conférences. « [33] Le 12 avril 1919, il rejoint la République du Conseil à Munich, où il devient actif en tant que membre du Conseil des beaux-arts et du Comité d’action des artistes révolutionnaires de Munich. À Zurich, où il a dû fuir après l’écrasement de la république communale le 11 juin, Klee a rencontré des artistes du groupe DADA, dont Tristan Tzara, Hans Arp, Marcel Janco, Hans Richter et le compositeur Ferruccio Busoni, avec qui il a fait campagne pour une chaire de piano en faveur de Gottfried Galston au Conservatoire de Zurich. Le 1er octobre 1919, Klee a conclu un accord général d’agence avec le marchand d’art de Munich Hans Goltz, qui devait se poursuivre jusqu’en 1925 après plusieurs extensions.[34][35] La première exposition solo rétrospective de Paul Klee a eu lieu le Ouvert en mai 1920 à la galerie Goltz de Munich. Il comprenait 371 œuvres de peintures, aquarelles, sculptures, dessins et feuilles graphiques. Le catalogue de l’exposition contient une « esquisse biographique d’après les propres déclarations de l’artiste ».[36]

Travailler au Bauhaus 1920-1931

Départ à Weimar

Histoires de Hoffmann, 1921, aquarelle, Museum of Modern Art, New York

Le 29 octobre 1920, Klee est nommé par Walter Gropius maître d’atelier de reliure au Bauhaus de Weimar. Il a commencé à enseigner le 10 Janvier 1921 et l’a exercé toutes les deux semaines.[37] Sa nomination était une décision culturelle et politique cohérente, car après la révolution de novembre à Munich, Klee, après avoir initialement hésité, s’était engagé auprès de la gauche politique. Les peintres du Bauhaus connaissaient le travail de Klee et représentaient la direction de la peinture moderne dans la galerie La tempête a été montré à Berlin. En septembre de la même année, il a finalement déménagé avec sa famille à Weimar. Son fils Félix était le plus jeune étudiant du Bauhaus à l’époque, à l’âge de quatorze ans.[38]

En mars 1921, Klee participe à l’exposition collective 14th Exhibition, l’organisation d’artistes Société Anonyme Inc. à New York, fondée par Katherine Sophie Dreier et Marcel Duchamp, au cours de laquelle le travail de Paul Klee est présenté pour la première fois aux États-Unis. Dreier, qui a contacté Klee pour la première fois en septembre 1920, possédait environ 21 de ses œuvres, qui font partie de la collection de l’Université de Yale dans la Beincke Rare Book and Manuscript Library depuis 1953.[39]

Au Bauhaus, Klee a repris l’atelier d’or, d’argent et de chaudronniers en 1922 ainsi que l’atelier de vitrail du second semestre – Wassily Kandinsky l’a suivi au Bauhaus le 1er juillet 1922. En février 1923, la Nationalgalerie de Berlin dans le Kronprinzenpalais a tenu la deuxième plus grande exposition personnelle avec des œuvres de l’artiste à ce jour, avec 270 œuvres. Après la restructuration du Bauhaus par la prise de contrôle de László Moholy-Nagy pour le soi-disant « cours préliminaire » (formation de base) en 1923, l’enseignement de Paul Klee en « théorie des formes » est devenu partie intégrante de cette formation de base, et il a également repris l’atelier de tissage.[40]

« Les quatre bleus » 1924

Galka Scheyer avec Feininger, Kandinsky, Klee et Jawlensky, collage sur un côté du
Examinateur de San Francisco à partir du 1er
novembre
1925

Le 7 En janvier 1924, la première exposition personnelle aux États-Unis organisée par la Société Anonyme Inc. est inaugurée à New York. La 16e Exposition d’Art Moderne dans les salles des galeries de la Société Anonyme comprenait 27 œuvres de l’artiste, dont Rosier, 1920 Fleur d’automne, 1922, Fleurs dans le vent, 1922, Petite photo de régate, 1922 et La colline, 1922.

Fin mars 1924, Klee a fondé – à la mémoire du Blue Rider – avec Lyonel Feininger, Wassily Kandinsky et Alexej von Jawlensky le groupe d’artistes déjà prévu en 1919 Les quatre bleus à Weimar. Galka Scheyer lui a rendu visite pour régler les modalités de la fondation et signer le contrat entre elle et les quatre artistes. La fusion, qui a ainsi été formellement confirmée comme un « groupe libre des Blue Four » et qui, en dehors de l’environnement du Bauhaus, principalement exposé aux États-Unis, a d’abord dû se faire connaître à travers des expositions et des conférences. Galka Scheyer a mis en œuvre le projet jusqu’à sa mort en 1945, d’abord à New York, puis en Californie, dans des conditions plus difficiles que prévu. Elle a écrit à 600 universités et 400 musées et a sollicité une exposition pour les « Blue Four », initialement avec peu de succès, a rapporté l’agent dans les années 1920.[41][42]

Exposition de surréalistes en 1925

Klee a voyagé à Paris en 1925 et avait Octobre au 14 Novembre à la Galerie Vavin-Raspail, où 39 aquarelles ont été exposées, sa première exposition personnelle en France. Le catalogue accompagnant l’exposition a été présenté avec une préface de Louis Aragon. Paul Éluard a conduit un poème intitulé Paul Klee à.[43] Toujours en novembre, du 14 au 25, la première exposition des surréalistes à la Galerie Pierre présentait des œuvres d’artistes tels que Hans Arp, Giorgio de Chirico, Max Ernst, André Masson, Joan Miró, Man Ray, Pierre Roy et Pablo Picasso, deux photos présentées par Klee. Cependant, il n’a jamais été inclus dans le groupe des surréalistes.[44][45]

Déménagement à Dessau en 1926

Maison de Paul Klee et Wassily Kandinsky dans le domaine de la maison de maître à Dessau, Ebertallee 69/71

Après le déménagement du Bauhaus à Dessau en juillet 1926 – le Bauhaus de Weimar a été dissous en 1925 en raison de pressions politiques – Paul Klee et sa femme ont emménagé dans l’une des trois maisons jumelées construites par Walter Gropius pour les maîtres du Bauhaus, dont l’autre moitié habitait le couple Kandinsky.[46] Du 24 août au 29 octobre, Paul Klee a voyagé avec son épouse et son fils Félix Italie.[46] Le Bauhaus Dessau a ouvert ses portes le 4 décembre. Klee était, entre autres, chef de l’enseignement Conception plastique et picturale gratuite, du Cours de peinture gratuit et le Théorie du design dans le tissage.[47] L’enseignement des moyens visuels élémentaires (théorie des formes visuelles, théorie des couleurs) forme le point de départ du système de Klee. Sa principale préoccupation était l’enregistrement fondamental des relations entre la ligne, la forme (surface) et la couleur dans l’espace image ou dans un motif donné. Malgré une approche rationaliste, il reconnaît également le rôle de l’art inconscient et compris comme un acte de création parallèle à la nature.[48]

Voyage en Egypte 1928-1929

Feu le soir, 1929, huile sur carton,
Musée d’art moderne, New York

Klee n’avait pas fait de grand voyage depuis le voyage de Tunis en 1914. Son deuxième voyage en Orient le conduit du 17 19 décembre au 17 décembre Janvier 1929 à travers l’Egypte, où il visite entre autres Alexandrie, Le Caire, Louxor et Assouan. Le pays l’a impressionné par sa lumière, son paysage et ses monuments d’époque et leurs lois de proportion et de construction; ces impressions devraient se refléter dans ses photos. Un exemple est la peinture à l’huile Nécropole à partir de 1929, qui représente plusieurs pyramides monumentales empilées les unes sur les autres en couches fortement colorées.

Suite à ce voyage, des images structurées géométriquement telles que Feu le soir. La Société Klee, fondée en 1925 par le collectionneur d’art Otto Ralfs, lui avait donné le deuxième voyage en Orient, mais il n’avait pas reçu autant d’élan que lors de son premier voyage en Orient. Il a donc écrit à sa femme Lily:

« J’ai eu d’autres impressions de Tunis et je suis convaincu que Tunis est beaucoup plus pure. »
[49]

En août 1929, Paul et Lily Klee passent les vacances d’été avec le couple Kandinsky à Hendaye-Plage sur la côte atlantique sud de la France.[50]

Querelles au Bauhaus

Paul Klee 1927, photo de
Hugo Erfurth

Au 1er Avril 1928 Gropius démissionne de son poste de directeur du Bauhaus en raison de conflits avec les autorités de la ville. À sa suggestion, l’architecte suisse Hannes Meyer est devenu le nouveau directeur, qui a non seulement donné au Bauhaus la devise « Les besoins des gens au lieu des besoins de luxe », mais a également intensifié la coopération avec l’industrie. La pression politique qui en résulta de la montée du national-socialisme et le différend entre les artistes «appliqués» et «libres» comme Klee atteignirent leur paroxysme.

Étant donné que la famille de Klee vivait toujours à Weimar, il ne tenait ses cours que tous les quinze jours, ce qui provoquait une incompréhension entre collègues et étudiants. Il ne pouvait plus concilier sa vie personnelle et ses idées de travail avec les objectifs du Bauhaus. Dans une lettre du 24 Klee l’a résumé à son épouse Lily le 30 juin 1930: « Il devra y avoir quelqu’un qui resserre ses forces plus élégamment que moi. » Il a rejeté l’offre du Bauhaus de lui accorder des conditions de travail plus faciles, car cela n’était pas conforme à ses objectifs.[51]

Professeur à la Düsseldorf Art Academy 1931–1933

Étoile montante, 1931, huile sur toile, Fondation Beyeler, Riehen près de Bâle

En 1931, épuisé par les querelles du Bauhaus, Klee accepta le 1er juillet l’appel à un poste de professeur à l’Académie des beaux-arts de Düsseldorf, que lui avait proposé Walter Kaesbach. Au semestre d’hiver, Paul Klee a commencé à travailler à Düsseldorf avec un cours de technique de peinture, tout en maintenant son appartement à Dessau. À Düsseldorf, Klee a loué une chambre meublée sur la Mozartstrasse, plus tard sur la Goltsteinstrasse, mais a fait la navette entre les deux villes toutes les deux semaines, car il avait à la fois un studio dans le bâtiment de l’Académie et un dans sa maison à Dessau, ce qu’il a continué de faire. utilisé.[52] Ses collègues à Düsseldorf étaient Ewald Mataré, Heinrich Campendonk et Werner Heuser.

En octobre 1932, Klee se rendit à Venise et à Padoue pendant neuf jours après avoir visité l’exposition Picasso au Kunsthaus Zurich, qu’il écrivit dans une lettre de Berne à sa femme à Dessau comme « une nouvelle confirmation »[53] décrit. C’était « les dernières images en couleurs fortes ont été une grande surprise »; Henri Matisse était également inclus, les «formats pour la plupart plus grands que vous ne le pensez. Beaucoup de [Bilder] gagner à travers la peinture délicate. Dans l’ensemble: le peintre d’aujourd’hui. […]. « [54] Au début de 1933, il trouva un appartement convenable pour la famille à Düsseldorf, prêt à être occupé le 1er mai.

L’une des plus grandes peintures de Klee, qui fonctionnait autrement à petite échelle, provient de la période de Düsseldorf, la peinture Ad Parnassum à partir de 1932. Klee, qui ne travaillait qu’avec quatre étudiants, avait désormais, comme à l’époque du Bauhaus, un revenu sûr mais moins d’obligations, afin de pouvoir poursuivre ses intentions artistiques.

De retour en Suisse en tant qu’émigré en 1933

Après l’arrivée au pouvoir d’Hitler en 1933, Klee était censé fournir une «preuve aryenne». Il était dans le National Socialist Journal La terre rouge a été insulté en tant que « Juif galicien » et sa maison à Dessau a été fouillée. Cependant, il s’est abstenu de nier parce qu’il ne voulait pas chercher la faveur de ceux qui étaient au pouvoir. Le 6 avril 1933, il écrit à sa sœur Mathilde:

« Jusqu’à présent, je n’ai rien fait sur la question du sang. Felix va […] pour prouver son christianisme. Si c’est officiellement exigé de moi, je dois le faire aussi. Mais je pense qu’il est indigne de faire quoi que ce soit contre de telles attaques maladroites. Parce que s’il était vrai que je suis juif et que je venais de Galice, cela ne changerait pas un iota dans la valeur de ma personne et de ma performance. »[55]

Klee a obtenu les preuves; Cependant, il a été décrit par les National-Socialistes comme un « artiste dégénéré » et « politiquement peu fiable » et a été démis de ses fonctions sans préavis le 21 avril. En octobre, il signe un contrat avec la Galerie Simon de Daniel-Henry Kahnweiler à Paris, qui détient le monopole de toutes les ventes hors de Suisse.[56] Klee a dit au revoir à son groupe de travail avec les mots: « Messieurs, il y a une mauvaise odeur de cadavres en Europe ».[57][58]

L’appartement de Düsseldorf a été libéré le 23 décembre 1933. Le couple Klee a émigré en Suisse le même jour et a emménagé dans la maison des parents de Klee à Berne le soir de Noël 1933.[59] En juin 1934, ils emménagèrent dans un appartement de trois pièces dans le quartier d’Elfenau, Kistlerweg 6, après que les meubles et les tableaux laissés à Düsseldorf soient arrivés à Berne.[60] Dès le printemps 1934, il soumit une demande de naturalisation, en raison de l’accord de Berlin du 4 Mai 1933 est rejeté: les citoyens allemands ne sont autorisés à demander la nationalité suisse que s’ils sont restés en Suisse sans interruption pendant cinq ans.[61]

Dernières années

le serpent arrive, 1939, pâte de peinture sur papier à lettre sur carton, collection privée, Suisse

La Kunsthalle Bern a ouvert ses portes le 23 Février 1935 une rétrospective de Klee, en combinaison avec des œuvres de Hermann Haller, qui fut ensuite présentée sous une forme réduite à la Kunsthalle Basel. En août 1935, Klee a contracté une bronchite, qui est devenue une pneumonie, et en novembre la sclérodermie, une maladie incurable. Ce nom de maladie est apparu pour la première fois dans la littérature spécialisée 14 Des années après sa mort. Le diagnostic est cependant hypothétique, car les dossiers médicaux sont manquants.[62] En raison de la maladie, son travail a stagné au cours des deux années suivantes. Malgré les restrictions causées par le durcissement croissant de la peau, il connaît une phase de création très productive à partir du printemps 1937. Il a beaucoup improvisé et utilisé diverses formes d’expression, notamment des dessins au crayon, à la craie et à l’encre. Il a discuté de la détérioration de son état de santé à travers des représentations de personnages souffrant et a utilisé des brosses plus grandes qui ont facilité son travail.[63]

Le 19 juillet 1937, l’exposition «Art dégénéré» a ouvert ses portes à Munich, qui a ensuite été présentée comme une exposition itinérante à Berlin, Leipzig, Düsseldorf et Salzbourg, et dans laquelle Paul Klee était représenté avec 17 œuvres, dont Légende des marais à partir de 1919. À partir d’août de la même année, les premières œuvres d’art contemporain sont confisquées, dont les œuvres de Klee qui ont déjà été diffamées comme «dégénérées» lors de l’exposition de Munich.[64] Par la suite, 102 autres œuvres de Paul Klee dans des collections allemandes ont été confisquées comme « art dégénéré » et vendues à l’étranger.[60] Un grand nombre des œuvres d’art confisquées sont arrivées sur le marché américain via le marchand d’art berlinois Karl Buchholz, propriétaire de la New York Buchholz Gallery. Buchholz était le plus gros client de la «Commission pour l’utilisation des produits de l’art dégénéré», car il pouvait payer avec les devises correspondantes. Il n’a envoyé les œuvres que dans sa succursale de New York dirigée par Curt Valentin, car elles ne devaient être vendues qu’en dehors de l’Empire allemand.[65]

prélude à une sérénade, 1940, pâte de peinture sur papier d’emballage sur carton, Courtesy Galerie Vömel, Düsseldorf

Zwischen Januar und März 1939 organisierte der US-amerikanische Komponist und Künstler John Cage, der durch seine engen Kontakte zu Galka Scheyer intime Kenntnisse über die Gruppe Die Blaue Vier hatte und der bereits als 22-Jähriger ein Jawlensky-Blatt zur Serie Meditationen aus dem Jahre 1934 erworben hatte,[66] eine kleine Ausstellung in der Cornish School in Seattle mit Werken von Paul Klee, Alexej von Jawlensky und Wassily Kandinsky.[67] Im April desselben Jahres stellte Klee einen zweiten Antrag auf Einbürgerung. Sein Gesuch wurde von der Polizei kritisch überprüft, denn in der Öffentlichkeit wurde die moderne Kunst als eine Begleiterscheinung linker Politik angesehen. In geheimen Berichten eines Polizeibeamten wurde Klees Werk als „eine Beleidigung gegen die wirkliche Kunst und eine Verschlechterung des guten Geschmacks“ angesehen, und die Presse unterstellte ihm, seine Kunst werde von jüdischen Händlern aus rein finanziellen Gründen gefördert.[68] Trotz des Polizeiberichts erhielt Klee am 19. Dezember 1939 die Bewilligung seines Einbürgerungsantrags. Am 16. Februar 1940 wurde im Kunsthaus Zürich die Jubiläumsausstellung „Paul Klee. Neue Werke“ eröffnet, die die einzige vom Künstler selbst konzipierte Präsentation seines Spätwerks sein sollte. Nach weiteren Anhörungen wollte der Gemeinderat der Stadt Bern am 5. Juli 1940 endgültig über die Einbürgerung entscheiden. Sein Gesuch wurde jedoch nicht mehr bearbeitet, da sich Anfang April 1940 sein Gesundheitszustand verschlechterte, weshalb er am 10. Mai einen Kuraufenthalt in einem Sanatorium in Locarno-Muralto begann. Er starb am 29. Juni 1940, eine Woche vor der Sitzung, in der Clinica Sant’Agnese in Muralto.

Klees Biografin, Carola Giedion-Welcker, hatte den Künstler kurz vor seinem Tod in seiner Berner Wohnung besucht. Sie berichtet, dass Klee über die Angriffe der Presse, die im Zusammenhang mit einer großen Zürcher Ausstellung seines Spätwerks standen, erregt und verärgert war, drohten sie doch sein Ersuchen auf Einbürgerung empfindlich zu stören oder sogar zu vereiteln.[69]

Grab Paul Klees auf dem Schosshaldenfriedhof

Auf der Grabplatte seines Vaters auf dem Berner Schosshaldenfriedhof ließ Felix Klee im Jahr 1946 einen programmatischen Text Klees aus dem Jahr 1920 einmeißeln:

„Diesseitig bin ich gar nicht fassbar

Denn ich wohne grad so gut bei den Toten

Wie bei den Ungeborenen

Etwas näher dem Herzen der Schöpfung als üblich

Und noch lange nicht nahe genug.“
[70]

Klees Nachlass

Nach dem Tod Paul Klees blieb Lily Klee in Bern. Um den Ausverkauf des Klee-Nachlasses zu verhindern, erwarben die Berner Sammler Hans Meyer-Benteli und Hermann Rupf unter Vermittlung von Rolf Bürgi, dem persönlichen Berater und Privatsekretär Lily Klees, zwei Tage vor ihrem Tod am 20. September 1946 den gesamten künstlerischen und schriftlichen Nachlass des Künstlers. Am 24. September 1946 gründeten Meyer-Bentely, Rupf und Bürgi und der gleichfalls in Bern wohnhafte Werner Allenbach die Klee-Gesellschaft und überführten den um die 6000 Werke umfassenden Nachlass in ihren Besitz. Diese gründete ein Jahr später die Paul-Klee-Stiftung, die sie mit rund 1700 Werken und mehreren Schriftstücken aus dem künstlerischen Nachlass bestückte. Im Jahre 1950 wurden der Stiftung, mit Depositum im Kunstmuseum Bern, weitere 1500 Werke zugeführt. Durch diesen Verkauf konnte Lily Klee verhindern, dass der gesamte Nachlass ihres Mannes gemäß dem Washingtoner Abkommen, dem die Schweiz kurz zuvor beigetreten war, zugunsten der alliierten Mächte liquidiert werden konnte.[71]

Porträtrelief Paul Klees am Paul-Klee-Brunnen in Bern

Im Jahr 1946, nachdem Felix Klee aus sowjetischer Kriegsgefangenschaft zurückgekehrt war, erlitt Lily Klee am 16. September „vor freudiger Erregung“ über die Nachricht der Heimkehr ihres Sohnes – wie Maria Marc berichtete – einen Schlaganfall, an dessen Folgen sie am 22. September starb.[71] Zwei Jahre später übersiedelte Felix Klee mit seiner Familie ebenfalls nach Bern. Dort machte der Alleinerbe seine Rechte am gesamten Nachlass geltend. Ein vierjähriger Rechtsstreit zwischen ihm und der Klee-Gesellschaft wurde Ende 1952 durch eine außergerichtliche Vereinbarung beigelegt. Der Nachlass wurde aufgeteilt. Beide Sammlungen blieben in Bern und konnten aufgrund der Initiative der Erben von Felix Klee († 1990) – Livia Klee-Meyer († 2011),[72] der zweiten Frau von Felix Klee, und Alexander Klee, dem Sohn von Felix Klee aus erster Ehe – der Paul-Klee-Stiftung und der Berner Behörden mit der Eröffnung des Zentrums Paul Klee im Jahr 2005 wieder zusammengeführt werden.[73]

Werk

„Kunst gibt nicht das Sichtbare wieder, sondern macht sichtbar.“


Paul Klee: Schöpferische Konfession, 1920[74]

Was fehlt ihm? 1930, Stempelzeichnung in Tusche auf Ingres-Papier auf Karton, Fondation Beyeler, Riehen bei Basel

Paul Klee ist ein Einzelgänger und Individualist gewesen, obwohl er wie andere Künstler seiner Zeit mit neuen künstlerischen Darstellungen verbunden war. Er unterschied sich daher von den Kubisten des Bateau-Lavoir in Paris, den Futuristen in Mailand oder der späteren surrealistischen Bewegung, die sich auf einer breiteren gemeinschaftlichen Basis entwickelten.[75] Wie beispielsweise Miró und Picasso verwendete Klee Motive kindlichen Zeichnens und der Kunststile verschiedener „Naturvölker“ in seinem Werk. Der Primitivismus gehört zu den wichtigen Phänomenen der Kunst des 20. Jahrhunderts. Die Strichmännchen, vereinfachte Umrisse, Kritzeleien und die Perspektive des wie verwundert, neugierig auf die Menschen und ihre Welt Blickenden erklärt er mit seiner Disziplin, auf wenige Stufen reduzieren zu wollen. Der primitive Eindruck gehe also auf „letzte professionelle Erkenntnis“ zurück, was „das Gegenteil von wirklicher Primitivität“ sei, schrieb er bereits 1909 in seinem Tagebuch.[76]

Die Grafik spielt im Werk Paul Klees eine besondere Rolle, denn vom Gesamtwerk des Œuvrekatalogs sind mehr als die Hälfte grafische Werke. Damit kann Klee als einer der wichtigsten Grafiker des frühen 20. Jahrhunderts gelten.[77] Seine Gemälde schuf Paul Klee häufig mit unterschiedlichen Maltechniken, so gebrauchte er Ölfarben, Wasserfarben, Tinte und anderes mehr. Oft kombinierte er verschiedene Techniken miteinander, wobei ihm die Struktur des Untergrundes ein wichtiger Bestandteil war. Seine Werke sind mehreren Kunstformen zugeordnet worden, so dem Expressionismus, Kubismus und dem Surrealismus, doch sind sie schwierig zu klassifizieren und spielen auf Träume, Dichtung und Musik an, und gelegentlich sind Wörter oder Musiknoten eingebettet. Die späteren Arbeiten sind zum Teil durch hieroglyphenartige Symbole gekennzeichnet, deren Linien Klee als „einen Spaziergang nehmen um seiner selbst willen, ohne Ziel“[78] umschrieb.

Paul Klee: Handpuppe von 1919, ohne Titel (
Gekrönter Dichter)

Zu den wenigen von Klee geschaffenen plastischen Arbeiten gehören Handpuppen, die er für seinen Sohn Felix zwischen 1916 und 1925 gefertigt hat. Der Künstler betrachtete sie nicht als Bestandteil seines Gesamtwerks und führte sie nicht in seinem Werkverzeichnis auf. 30 dieser Puppen sind erhalten und werden im Zentrum Paul Klee, Bern, aufbewahrt.[79]

Klees ab Februar 1911 bis zu seinem Tod eigenhändig geführter Œuvrekatalog verzeichnet insgesamt 733 Tafelbilder (Gemälde auf Holz oder Leinwand), 3159 farbige Blätter auf Papier, 4877 Zeichnungen, 95 Druckgrafiken, 51 Hinterglasbilder und 15 Plastiken.[56][80] Etwa 1000 Werke schuf er in den letzten fünf Lebensjahren. Seine Kompositionen haben in der Öffentlichkeit eine erstaunliche Popularität erlangt, obwohl sie sich einer einfachen Deutung entziehen.

Das Frühwerk

Klees frühe Kinderzeichnungen, zu denen seine Großmutter den jungen Paul ermuntert hatte, sind erhalten, einige von ihnen hat Klee in sein Werkverzeichnis aufgenommen. Aus den Berner Jahren stammen insgesamt 19 Radierungen; zehn davon sind im zwischen 1903 und 1905 entstandenen Zyklus der Inventionen enthalten,[13] mit dem Klee im Juni 1906 bei der „Internationalen Kunstausstellung des Vereins bildender Künstler Münchens ‚Secession‘“ erstmals als Künstler an die Öffentlichkeit trat.[15] Die Invention Nr. 11, die Pessimistische Allegorie des Gebirges, wurde von Klee bereits im Februar 1906 aus dem Zyklus herausgenommen.[81] Die satirischen Radierungen des Zyklus, beispielsweise die Jungfrau im Baum/Jungfrau (träumend) von 1903 und Greiser Phoenix von 1905, wurden als „surrealistische Vorposten“ gewertet, wie Klee später in seinem Tagebuch schrieb. Jungfrau im Baum knüpft an das Motiv Le cattive madri (1894) von Giovanni Segantini an. Die Gestaltung zeigt eine Steigerung ins Bizarre, wie sie literarisch in den Werken Alfred Jarrys, Max Jacobs und – in Deutschland – Christian Morgensterns auftrat, dessen groteske Lyrik einen direkten Einfluss auf Klee hatte.[82] Sie weist einen Kulturpessimismus auf, der an der Wende zum 20. Jahrhundert in den Werken der Symbolisten eine Entsprechung findet. Die Invention Nr. 6, die Radierung Zwei Männer, einander in höherer Stellung vermutend von 1903, zeigt zwei unbekleidete Männer, die nur durch ihre Frisuren und Bärte als die beiden Kaiser Wilhelm II. und Franz Joseph I. erkennbar sind. Da sie ihrer Kleider und Insignien beraubt sind, „haben beide keinen Anhaltspunkt mehr, ob ihre konventionellen Ehrbezeugungen […] angebracht sind oder nicht. Da sie davon ausgehen, daß ihr Gegenüber höher bewertet werden könnte“, antichambrieren sie voreinander.[83]

Eine neue Technik entwickelte Klee ab 1905, indem er Einkratzungen mit einer Nadel auf geschwärzten Glasscheiben begann; es entstanden auf diese Weise 57 Hinterglasbilder, darunter die 1905 entstandene Gartenszene und das Porträt des Vaters aus dem Jahr 1906, mit denen er Malerei und Radierung zu verbinden suchte.[84] Klees einzelgängerisches Frühwerk kam zum Abschluss, als er im Jahr 1910 auf den Grafiker und Illustrator Alfred Kubin traf, der ihn künstlerisch inspirierte. Weitere wichtige Kontakte zur malerischen Avantgarde sollten folgen.

Inspiration durch Delaunay und den „Blauen Reiter“

Candide 1. Cap.
chassa Candide du château à grands coups de pied dans le derrière, 1911, Feder auf Papier auf Karton, Zentrum Paul Klee, Bern

Im März 1912 schloss Paul Klee die Illustration des Romans Candide ab, der 1920 unter dem Titel Kandide oder die Beste Welt. Eine Erzählung von Voltaire mit 26 Illustrationen des Künstlers im Verlag Kurt Wolff erschien.[85]

Zur farbigen Gestaltung gelangte Paul Klee über die Beschäftigung mit der Farbtheorie von Robert Delaunay, den er im April 1912 in Paris in seinem Atelier besuchte. Die Auseinandersetzung mit den Werken und Theorien Delaunays, dessen Werk dem „orphischen“ Kubismus, auch Orphismus genannt, zugerechnet wird, bedeutet die Hinwendung zur Abstraktion und der Autonomie der Farbe. Ferner wurden die Künstler des Blauen Reiters – vor allem August Macke und Franz Marc – durch die Malerei Delaunays wesentlich beeinflusst, und Klee als assoziiertes Mitglied der Redaktionsgemeinschaft des Blauen Reiters wiederum ließ sich später durch ihre Gemälde inspirieren, da er seinen künstlerischen Schwerpunkt zu dieser Zeit noch nicht gefunden hatte. Er beteiligte sich zwar an den Ausstellungen und erhielt wichtige Impulse für sein späteres Werk, es gelang ihm zu dieser Zeit jedoch noch nicht, seine Vorstellungen vom Umgang mit der Farbe in seinen Bildern umzusetzen. Er sah selbst seine Versuche als konstruiert an. Während seiner Zeit beim „Blauen Reiter“ galt er als hervorragender Zeichner; den endgültigen Durchbruch zur farbigen Malerei brachte jedoch erst die Tunisreise im Jahr 1914 für den Künstler, die ihn zum eigenständigen malerischen Werk führte.[86]

Mystisch-abstrakte Periode 1914–1919

Auf der gemeinsam mit Macke und Moilliet geplanten zwölftägigen Studienreise nach Tunis im April 1914 entstanden Aquarelle, die die starken Licht- und Farbreize der nordafrikanischen Landschaft in der Art von Paul Cézanne und die kubistische Formauffassung Robert Delaunays umsetzen. Es ging nicht darum, die Natur nachzuahmen, sondern Gestaltungen analog den Formprinzipien der Natur hervorzubringen, beispielsweise in den Werken In den Häusern von Saint-Germain et Straßencafé. Dabei übertrug Klee die Landschaft in ein Rasterfeld, sodass sie in farbliche Harmonie aufgelöst wird. Gleichzeitig entstanden gegenstandslose Arbeiten wie Abstract et Farbige Kreise durch Farbbänder verbunden.[87] Eine endgültige Trennung vom Gegenstand ergab sich in seinem Werk jedoch nicht. Klees über zehn Jahre dauernde Versuche und Auseinandersetzungen mit der Farbe hatten ihn nun zum eigenständigen malerischen Werk geführt, wobei ihm die farbenprächtige orientalische Welt zur Grundlage seiner Gestaltungsideen wurde.

Nach den Aquarellen, die auf der Tunisreise entstanden, folgte beispielsweise 1915 das Aquarell Föhn im Marc’schen Garten, es lässt deutlich seine neue Beziehung zur Farbe und die Anregungen durch Macke und Delaunay erkennen. Obwohl Elemente des Gartens eindeutig zu identifizieren sind, ist eine weitere Hinwendung zur Abstraktion wahrnehmbar. In seinem Tagebuch schreibt Klee zu dieser Zeit:

Einst dem Grau der Nacht enttaucht, 1918, Aquarell, Feder und Bleistift auf Papier, mit Silberpapier kombiniert,
Kunstmuseum Bern, Bern

„In der großen Formgrube liegen Trümmer, an denen man noch teilweise hängt. Sie liefern den Stoff zur Abstraktion. […] Je schreckensvoller diese Welt, desto abstrakter die Kunst, während eine glückliche Welt eine diesseitige Kunst hervorbringt.“
[88]

Unter dem Eindruck seines Militärdiensts entstand das Bild Trauerblumen aus dem Jahr 1917, das mit seinen grafischen Zeichen, pflanzlichen und fantastischen Formen seine späteren Werke vorausahnen lässt, die Grafik, Farbe und Gegenstand harmonisch vereinen. Da Klee in Gersthofen fliegende und vor allem abstürzende Flugzeuge sah und er in seiner Freizeit Fliegerabstürze fotografieren sollte, erschienen in seinen Bildern erstmals Vögel, die wie Papierflugzeuge abstürzten, so in Blumenmythos aus dem Jahr 1918.

In dem Aquarell Einst dem Grau der Nacht enttaucht aus dem Jahr 1918, einem kompositorisch umgesetzten Gedicht, das er vermutlich selbst verfasst hatte, nahm Klee Buchstaben in kleinen, farblich voneinander getrennten Quadraten auf und trennte die erste von der zweiten Strophe durch Silberpapier ab. Oben auf dem Karton, der das Bild trägt, sind die Verse handschriftlich eingetragen. Klee lehnte sich hier nicht mehr in der Farbe an Delaunay an, sondern an Franz Marc, obwohl die Bildinhalte beider Maler nicht korrespondierten. Unter anderem sah Herwarth Walden, Klees Kunsthändler, darin eine „Wachablösung“ seiner Kunst.[89] Ab dem Jahr 1919 verwandte er häufiger Ölfarben, die er mit Aquarellfarben und Buntstift kombinierte. le Villa R (Kunstmuseum Basel) von 1919 vereint sowohl sichtbare Realitäten wie Sonne, Mond, Berge, Bäume und Architekturen, als auch surrealistische Versatzstücke und Stimmungswerte.[90]

Werke in der Bauhaus-Zeit und in Düsseldorf

Die Zwitscher-Maschine, 1922, Ölpause und Aquarell auf Papier auf Karton, Museum of Modern Art, New York

Zu seinen Werken dieser Zeit gehören beispielsweise das abstrakte, mit grafischen Elementen versehene Werk betroffener Ort (1922). Aus demselben Jahr stammt das bekannte Gemälde Die Zwitscher-Maschine, die zu den Werken gehörte, die aus der Nationalgalerie Berlin entfernt wurden. Nachdem es in der Ausstellung „Entartete Kunst“ in München diffamierend gezeigt wurde, kaufte es die Buchholz Gallery, New York, eine Zweigstelle des Berliner Kunsthändlers Karl Buchholz, von der es 1939 das Museum of Modern Art für US$ 75 erwarb. Das „Zwitschern“ im Titel bezieht sich auf die Vögel, deren Schnabel geöffnet ist, während die „Maschine“ durch die Kurbel dargestellt wird.[91] Das Aquarell wirkt auf den ersten Blick kindlich, lässt aber mehrere Interpretationen zu. Unter anderem könnte es eine Kritik Klees sein, der durch die Denaturierung der Vögel zeigt, dass die Technisierung der Welt Geschöpfe ihrer Selbstbestimmung beraubt.[92]

Weitere Beispiele aus der Zeit sind der Goldfisch aus dem Jahr 1925, Katze und Vogel 1928 sowie aus der Gruppe seiner Lagen- und Streifenbilder Hauptweg und Nebenwege 1929. Durch Variationen des Leinwanduntergrunds und aufgrund seiner kombinierten Maltechniken erreichte Klee immer neue Farbeffekte und Bildwirkungen.

In der Düsseldorfer Zeit entstand im Jahr 1932 Ad Parnassum, mit 100 × 126 cm eines der größten Bilder Klees, der sonst meistens in kleinen Formaten arbeitete. In diesem mosaikähnlichen Werk, das im Stil des Pointillismus gearbeitet ist, vereinte er wiederum verschiedenen Techniken und Kompositionsprinzipien. In Erinnerung an die Ägyptenreise 1928/29 baute Klee ein Farbfeld aus einzelnen gestempelten Punkten auf, dem er mit wenigen ebenfalls gestempelten Linien einen gegenständlichen Rahmen gab, der an eine Pyramide erinnert. Über dem Dach des „Parnass“ scheint die Sonne zu leuchten. Der Titel identifiziert das Bild als den Sitz Apollons und der Musen.[93] Im letzten Jahr in Deutschland, 1933, entstanden zahlreiche Gemälde und Zeichnungen; das Werkverzeichnis umfasst 482 Nummern. Das Selbstporträt in diesem Jahr – mit dem programmatischen Titel von der Liste gestrichen – gibt Auskunft über sein Befinden: Klee hatte seine Professur verloren. Das in dunklen Farben gehaltene abstrakte Porträt weist geschlossene Augen und einen zusammengepressten Mund auf, durch den angedeuteten Hinterkopf läuft ein großes „X“ – seine Kunst galt nichts mehr in Deutschland.[94]

Das Spätwerk in der Schweiz

Revolution des Viadukts, 1937, Öl auf Ölgrundierung auf Baumwolle auf Keilrahmen,
Hamburger Kunsthalle

Klees Gestaltung in dieser Zeit wandte sich großformatigen Bildern zu. Waren nach Ausbruch der Krankheit noch 25 Nummern im Werkverzeichnis für das Jahr 1936 aufgeführt, steigerte sich seine Produktivität 1937 erheblich auf 264 Arbeiten, 1938 auf 489, und 1939, seinem produktivsten Jahr, führte er 1254 Werke auf. Seine Werke befassen sich mit ambivalenten Themen, die sein persönliches Schicksal, die politische Situation und ebenso seinen Witz ausdrücken: Das Aquarell Musiker, ein Strichmännchengesicht mit teils ernstem, teils lächelndem Mund sowie die Revolution des Viadukts, das eines seiner bekanntesten Bilder ist und als Klees Beitrag zur antifaschistischen Kunst aufgefasst wird, seien als Beispiele genannt. In dem Viadukt aus dem Jahr 1937 treten die Brückenbögen aus der Reihe, sie weigern sich, nur ein Glied in der Kette zu sein und machen Revolution.[95]

Klees rund 80 Engelmotive entstanden hauptsächlich zwischen 1938 und 1940 als Ausdruck seiner damaligen Lebenssituation. Ausstellungen im Museum Folkwang in Essen und in der Hamburger Kunsthalle im Jahr 2013 kommentierten das Thema wie folgt:

„Als geflügelte Mischwesen, halb Mensch halb Himmelsbote, repräsentieren sie eine Übergangsform zwischen irdischer und überirdischer Existenz, die dem aktuellen Bedürfnis nach Spiritualität entgegen kommt, zugleich aber auch die moderne Skepsis gegenüber Religion und Glaubensfragen reflektiert. […] Nicht selten geraten Klees Engel aber auch in die Nähe des Teufels: Luzifer und Leviathan, Mephisto und ‚Chindlifrässer‘ sind diabolische Figuren, die Klee unmittelbar bei seinen Engeln ansiedelt und ihnen manchmal sogar deren Gestalt gibt. Diese Nähe von Engeln und Teufeln entspricht Klees Philosophie eines Ausgleichs der Kräfte, die den Gegensatz von Gut und Böse nicht kennt, sondern die Relativität moralischer Wertvorstellungen vertritt.“[96]

Ab 1938 arbeitete Klee noch intensiver mit hieroglyphenhaften Elementen. Das Gemälde Insula dulcamara aus diesem Jahr, das mit 88 × 176 cm zu seinen größten Bildern gehört, zeigt in der Mitte dieser Elemente ein weißes Gesicht, das mit seinen schwarz umrandeten Augenhöhlen den Tod symbolisiert. Bitterkeit und Trauer sind in vielen seiner Werke aus dieser Zeit erkennbar.

Das 1940 fertiggestellte Bild, das sich von den vorhergehenden stark unterscheidet, hinterließ Klee vor seinem Tod unsigniert auf der Staffelei. Es ist ein vergleichsweise realistisches Stillleben Ohne Titel, später genannt Der Todesengel, auf dem unter anderem Blumen, eine grüne Kanne, eine Skulptur und ein Engel abgebildet sind. Von diesen Gruppen getrennt erscheint auf dunklem Grund der Mond. Klee hatte sich vor diesem Bild anlässlich seines 60. Geburtstags fotografieren lassen. Es wird vermutet, dass Klee dieses Werk als sein künstlerisches Vermächtnis angesehen hat.[97]

Kunsttheoretische Schriften, Tagebücher, Briefe und Gedichte

Tagebuch III, 1915, Paul-Klee-Stiftung, Bern

Nach der Heirat 1906 und der Übersiedlung nach München war Paul Klee außer als Künstler auch journalistisch tätig. So schrieb er von November 1911 bis Dezember 1912 für die Berner Zeitschrift Die Alpen Beiträge über das Münchner Kunst- und Musikleben. Im Augustheft des Jahres 1912 veröffentlichte Klee einen Bericht über die vom 7. Juli bis 31. Juli stattfindende Ausstellung im Kunsthaus Zürich, bei der Werke des von Hans Arp, Walter Helbig und Oscar Lüthi gegründeten „Modernen Bundes“, einer Vereinigung von Schweizer Künstlern, zusammen mit Werken des Blauen Reiters gezeigt wurden. Klee verwendet in seinem Bericht den Begriff Expressionismus, jedoch anders, als es seine Zeitgenossen taten. Für Klee war mit dem Expressionismus nicht nur die künstlerische Entwicklung weiter vorangetrieben worden, sondern wirklich Neuland für künstlerische Möglichkeiten im Sinne eines „erweiterten Kunstgebiets“ erschlossen worden.[98][99]

Nach 1912 beschränkte Klee seine schriftlichen Veröffentlichungen auf kunsttheoretische Aufsätze, die hauptsächlich zwischen 1920 und 1925 entstanden, sowie auf Abhandlungen über Wassily Kandinsky (1926) und Emil Nolde (1927). 1957 wurden die Tagebücher (1898–1918) postum veröffentlicht, 1960 Gedichte und 1979 Briefe an die Familie. Die Kunsttheorien bedeuten neben den Tagebuchnotizen die wichtigsten Quellen und Wegweiser zu seinem Werk.[100]

Bereits während des Ersten Weltkriegs begann Klee 1918 seine erste kunsttheoretische Auseinandersetzung, die Schöpferische Konfession. Veröffentlicht wurde sie 1920 in Berlin zusammen mit den Bekenntnissen anderer Maler und Dichter in „Tribüne der Kunst und der Zeit. Eine Schriftensammlung“, herausgegeben von Kasimir Edschmid. Der bekannte erste Satz daraus – „Kunst gibt nicht das Sichtbare wieder, sondern macht sichtbar.“ – zeigt Klees Gestaltungstendenz auf, die Sichtbarmachung einer inneren Welt der Vorstellungen in sein Werk einzufügen.[101] Ausgehend von Leonardo da Vinci, über Robert Delaunay und Wassily Kandinsky, löste sich Klee in dieser Schrift von der Auffassung der simultanen Bilderfassung. Der kleine Band wurde erstmals 1919 in Leipzig gedruckt und wird im Originalmanuskript von der Paul-Klee-Stiftung im Kunstmuseum Bern in einem Wachstuchheft zusammen mit autobiografischen Texten Klees verwahrt.[102]

Vortrag, 1924, Folio 4 recto, Zentrum Paul Klee, Bern

Zwei Seiten aus dem
Pädagogischen Skizzenbuch (
Bauhausbücher, Band 2, 1925)

Im Oktober 1920 erschien die Schrift Farbe als Wissenschaft. Dieser kurze Text, den Klee auf Anregung des Kunsthistorikers Hans Hildebrandt für das Farben-Sonderheft Das Werk. Mitteilungen des Deutschen Werkbundes verfasste, polemisiert nicht nur gegen die mathetische Farbenlehre des Chemikers und Physikers Wilhelm Ostwald, „sondern enthält zwei grundlegende Hinweise: Es bedürfe keiner Farbenlehre und die Farbwerte seien relative Größen. Die Farbe wird hier erstmals expressis verbis als Absolutum verstanden.“[103]

Im ersten Band der Bauhausbücher erschien 1923 unter anderen Beiträgen Klees Wege des Naturstudiums, in der er die Natur als ein „sine qua non“ der künstlerischen Arbeit beschreibt, die trotz aller freien Umformung der Ausgangspunkt des Künstlers bleiben soll. Im Jahr 1925 erschien als Bauhausbuch Nr. 2 sein Pädagogisches Skizzenbuch, das auf die optische Erziehung des Schülers gerichtet ist und sich hauptsächlich mit den grafischen und farbigen Ausdrucksmitteln beschäftigt.[104]

Aus Anlass seiner am 19. Januar 1924 eröffneten Bilderausstellung im Jenaer Kunstverein im Prinzessinnenschlösschen hielt Klee am 26. Januar seinen bekannt gewordenen Jenaer Vortrag, den der Künstler in seiner Zeit am Bauhaus verfasste und der erstmals 1945 postum unter dem Titel Über die moderne Kunst im Verlag Benteli, Bern-Bümplitz, veröffentlicht wurde.[105] Klee entwickelte darin das vergleichende Bild vom Baum, seinen Wurzeln und der Krone, der Künstler spielt darin den Stamm in der Rolle des Vermittlers, um „aus der Tiefe Kommendes zu sammeln und weiterzuleiten“. Nach Klee sollte die moderne Kunst im Verwandlungsprozess „das veränderte umgeformte Abbild der Natur“ entstehen lassen. Was die Kubisten „création et non imitation“ nannten, formulierte Klee als „Wiedergeburt der Natur im Bilde.“[106]

Rezeption

Zeitgenössische Sichtweisen von Paul Klee

„Klees Tat ist ganz wunderbar. In einem Minimum von Strich kann er seine ganze Weisheit offenbaren. Er ist alles; innig, zart, und vieles andere Beste, und dies vor allem: er ist neu“, so beschreibt Oskar Schlemmer, der spätere Künstlerkollege vom Bauhaus, die Bilder von Paul Klee in seinem Tagebuch im September 1916.[107]

Der Schriftsteller Wilhelm Hausenstein, Klees Freund, betont in seinem Werk Über Expressionismus in der Malerei von 1919 dessen musische Begabung und resümiert: „Vielleicht ist Klees Einstellung überhaupt nur dem musikalischen Menschen begreiflich – wie Klee selbst einer der köstlichsten Geiger von Bach und Händel ist, die je über die Erde gingen. […] Bei Klee, dem deutschen Klassiker des Kubismus, ist das Musikalische der Welt als Begleiter, vielleicht sogar Gegenstand einer Kunst geworden, die einer in Noten geschriebenen Komposition nicht unähnlich scheint.“[108]

Handzettel zur Ausstellung „Entartete Kunst“ in München, 1937

Als Klee im Jahr 1925 die Surrealistenausstellung in Paris besuchte, war Max Ernst von seinem Werk begeistert. Seine zum Teil morbiden Motive sprachen die Surrealisten an. André Breton half dem Surrealen eigenhändig etwas nach und taufte Klees Zimmerperspektive mit Einwohnern aus dem Jahr 1912 in einem Katalog in chambre spirit um. Der Kritiker René Crevel bezeichnete den Künstler als „Träumer“, „der aus geheimnisvollen Abgründen einen Schwarm kleiner lyrischer Läuse befreit.“ Paul Klees Vertrauter Will Grohmann hielt in den Cahiers d’Art dagegen, dass Klee „durchaus gesund fest auf seinen Beinen steht. Er ist in gar keiner Weise ein Träumer; er ist ein moderner Mensch, der als Professor am Bauhaus lehrt.“ Worauf Breton, wie sich Joan Miró erinnert, Klee mit einem Bann belegt: „Masson und ich haben zusammen Paul Klee entdeckt. Auch Paul Éluard und Crevel interessieren sich für Klee, sie haben ihn sogar besucht. Doch Breton verachtet ihn.“[109]

Die Kunst der Geisteskranken hat Klee neben Kandinsky und Max Ernst inspiriert, nachdem Hans Prinzhorns Publikation Bildnerei der Geisteskranken 1922 erschienen war. 1937 wurden einige Blätter aus Prinzhorns Sammlung in der nationalsozialistischen Propagandaausstellung „Entartete Kunst“ in München präsentiert, sie wurden den Werken von Kirchner, Klee, Nolde und anderen gegenübergestellt, um diese zu diffamieren.[110]

Im Jahr 1949 bemerkte Marcel Duchamp über Paul Klee: „Die erste Reaktion vor einem Gemälde von Paul Klee ist die sehr erfreuliche Feststellung, was jeder von uns hat oder hätte tun können, wenn wir versuchen, wie in unserer Kindheit zu zeichnen. Die meisten seiner Kompositionen zeigen auf den ersten Blick einen schlichten, naiven Ausdruck, wie wir ihn auch in Kinderzeichnungen finden. […] Bei einer zweiten Analyse entdeckt man eine Technik, der eine große Reife im Denken zugrunde liegt. Ein tiefes Verständnis im Umgang mit Aquarellfarben, eine persönliche Methode in Öl zu malen, angelegt in dekorativen Formen, lassen Klee in der zeitgenössischen Malerei hervorstechen und machen ihn unvergleichlich. Andererseits wurde sein Experiment in den vergangenen 30 Jahren von vielen anderen Künstlern als Grundlage neuerer Entwicklungen in den unterschiedlichsten Bereichen der Malerei übernommen. Seine extreme Fruchtbarkeit zeigt niemals Anzeichen von Wiederholung, wie es gewöhnlich der Fall ist. Er hatte soviel zu sagen, dass ein Klee nie wie ein anderer Klee ist.“[111]

Walter Benjamin und der Angelus Novus

Angelus Novus, 1920, Ölpause und Aquarell auf Papier auf Karton,
Israel-Museum, Jerusalem

Klees Werk Angelus Novus, 1920 in Weimar entstanden, war einst in Walter Benjamins Besitz. Er hat dieses so flüchtig und durchscheinend wirkende Wesen mit den bohrenden, fordernden Augen berühmt gemacht, denn er sah in der Aquarellzeichnung den „Engel der Geschichte“, den er im Jahr 1940 in seinen Thesen Über den Begriff der Geschichte/These IX beschrieb.

Musikalische Werke, inspiriert durch Klee

Der hochmusikalische Paul Klee war im Gegensatz zu seiner Malerei in der Musik der Tradition verpflichtet, so schätzte er weder Komponisten des späten 19. Jahrhunderts wie Wagner, Bruckner und Mahler, noch die Musik seiner Zeitgenossen. Bach und Mozart waren für ihn die größten Komponisten; Werke des letzteren hörte und spielte er am liebsten.[112]

Klees Werke animierten jedoch immer wieder Tonkünstler zu Kompositionen wie beispielsweise

  • den Argentinier Roberto García Morillo 1943 mit Tres pinturas de Paul Klee,
  • Giselher Klebes mit seinem 1950 entstandenen Orchesterwerk Die Zwitschermaschine mit dem Untertitel Metamorphosen über das Bild von Paul Klee bei den Donaueschinger Musiktagen aufgeführt,[113]
  • Sándor Veress 1951 mit der Hommage à Paul Klee, einer Fantasie für zwei Klaviere und Streicher,
  • den amerikanischen Künstler David Hammond 1958 mit Welt von Paul Klee, einem vierteiligen Werk,
  • Gunther Schuller mit Sieben Studien über Klee’sche Bilder in den Jahren 1959/60; enthalten sind Alter Klang (Antique Harmonies), Abstraktes Terzett (Abstract Trio), Little Blue Devil, Zwitscher-Maschine (Twittering Machine), Arab Village, Ein unheimlicher Moment (An Eerie Moment) et Pastorale,
  • Peter Maxwell Davies 1962 mit Five Klee-Pictures für Orchester,
  • Edison Denissow 1985 mit Drei Bilder von Paul Klee für sechs Spieler (Diana im HerbstwindSenecioKind auf der Freitreppe),
  • Walter Steffens 1991 mit Vier Aquarelle nach Paul Klee op. 63 für Blockflöte(n),
  • Tan Dun 1992 mit Death and fire, Dialogue with Paul Klee für Orchester,
  • Jean-Luc Darbellay 1996 mit Ein Garten für Orpheus für sechs Instrumente,
  • Jörg-Peter Mittmann 1997 mit Bilder des Südens für sieben Spieler (Garten im Orient – Lagunenstadt – Häuser am Meer),
  • Michael Denhoff 1998 mit Haupt- und Nebenwege für Streicher und Klavier,
  • die Groupe Lacroix (1992, 1997, 1999, 2001, 2002); unter anderem war das Aquarell Hat Kopf, Hand, Fuss und Herz aus dem Jahr 1930 Anlass zur Komposition Wie der Klee vierblättrig wurde sowie Angelus Novus et Hauptweg und Nebenwege, eingespielt bei Creative Works Records unter dem Titel 8 Pieces on Paul Klee von dem Ensemble Sortisatio im Februar und März 2002 in Leipzig und im August 2002 in Luzern,
  • Den isländische Sänger, Schauspieler und Komponisten Egill Ólafsson 2001 mit seinem Soloalbum Angelus Novus; sowohl das gesamte Album als auch das gleichnamige Titellied beziehen sich auf das Werk Paul Klees,
  • Iris Szeghy 2005 mit Ad parnassum für Streicher,
  • Ludger Stühlmeyer 2019 mit einer Fantasie für Orgel (Super flumina Babylonis) über Klees Aquarell An den Wassern zu Babel.

Klees redigierte Tagebücher

Klees Biografin Susanna Partsch weist darauf hin, dass Klee, um ein in der Öffentlichkeit positives Bild zu erhalten, seine Tagebücher dementsprechend redigiert hatte. Der Spruch auf seinem Grabstein „Diesseitig bin ich gar nicht fassbar“, den er als sein Programm ansah, charakterisiere den Künstler Klee so, wie er gern gesehen werden wollte. Dieser Text erschien zuerst im Katalog seiner ersten großen Einzelausstellung bei dem Kunsthändler Goltz im Jahr 1920 und anschließend im selben Jahr in Klees erster Monografie von Leopold Zahn. Sein Freund und Biograf Will Grohmann, dessen Monografie 1954 erschien, habe Klee noch ohne kritische Distanz beschrieben und den Text mit dem Künstler abgesprochen. Erst Jürgen Glaesemer und Christian Geelhaar hätten um die Mitte der 1970er Jahre einen neuen Abschnitt in der Klee-Forschung eingeleitet und so eine objektive Sicht auf den Maler ermöglicht. Der in den USA lebende Kunsthistoriker Otto Karl Werckmeister hatte daraufhin unter Einbeziehung von Klees gesellschaftlichem und politischem Umfeld in mehreren Aufsätzen und einem Buch der neuen Forschung eine Grundlage gegeben. Eine kritische Edition der Tagebücher, von Wolfgang Kersten 1988 veröffentlicht, ergänzte die neue Sichtweise.[114] Es entstanden weitere Studien, die Klees Spätwerk unter der Diagnose seiner Krankheit Sklerodermie analysierten.

„Paul Klee trifft Joseph Beuys“

Schloss Moyland am Niederrhein zeigte im Jahr 2000 die Ausstellung „Paul Klee trifft Joseph Beuys. Ein Fetzen Gemeinschaft“. Sie wurde in leicht modifizierter Form im Frühjahr 2002 im Kurpfälzischen Museum in Heidelberg wiederholt. Die Kuratoren stellten ausgewählte Werke von Beuys und Klee gegenüber. Ein Fetzen Gemeinschaft nach dem Titel eines Werkes von Paul Klee aus dem Jahre 1932 – verwies auf das Ausstellungskonzept, die künstlerische Nachbarschaft der beiden Künstler auch im Titel zu verdeutlichen. Zwar trafen sich Klee und Beuys (1921–1986) nie, jedoch sollte die Ausstellung den direkten Bezug ausgewählter Beuys’scher Zeichnungen zu Arbeiten von Klee aufzeigen. Beide Künstler setzten sich, jeder auf seine eigene Weise, mit Themen der Pflanze und des Spiralwachstums im Tier- und Pflanzenreich auseinander. Ebenso war die ganzheitliche Auffassung vom Wesen der Natur ähnlich, und Beuys stellte überrascht fest, dass Klee bereits 1904 ähnlich gearbeitet hatte wie er.[115]

Als Beuys im Jahre 1979 in der Städtischen Galerie im Lenbachhaus zeige deine Wunde aufbaute, fand gleichzeitig im Erdgeschoss eine große Ausstellung über das Frühwerk Paul Klees statt, die Werke aus dem Zeitraum von den frühen Kinderzeichnungen bis zum Jahr 1922 umfasste. Armin Zweite berichtet, dass Beuys über mehrere Stunden mit großer Geduld von Blatt zu Blatt gegangen sei und bei einigen Blättern seine Brille herausgeholt habe, um sie genau zu betrachten, obwohl im Obergeschoss alle auf ihn warteten. Als jedoch die Candide-Illustrationen in sein Blickfeld fielen, erlahmte sein Interesse, und er murmelte so etwas wie „A ja, nun weiß der Klee wie’s weitergeht, jetzt ist es nicht mehr interessant für mich.“[116]

„Klee and America“

Unter dem Titel Klee and America fand von 2006 bis Anfang 2007 eine Wanderausstellung statt, die im März 2006 in der „Neuen Galerie“ in New York startete, ab Juni in der „Phillipps Collection“ in Washington, D.C. und von Oktober bis Mitte Januar 2007 in der „Menil Collection“ in Houston fortgesetzt wurde. Sie umfasste über 60 ausgestellte Werke mit Leihgaben von privaten und staatlichen Sammlern aus Amerika und dem Ausland.[117] Die Ausstellung erinnerte an die begeisterte Aufnahme von Klees Werk in den Vereinigten Staaten der 1930er und 1940er Jahre – er selbst war nie in den USA gewesen –, als sein Werk in Deutschland als „Entartete Kunst“ verfemt war und zahlreiche Stücke aus deutschen Sammlungen in die USA verkauft wurden. Der Kurator der Ausstellung, Josef Helfenstein, wies darauf hin, dass der Einfluss Klees auf die amerikanische Kunst noch nicht vollständig untersucht worden sei und diese Ausstellung erreichen wolle, die Geschichte der modernen Kunst um ein einflussreiches, aber oft vergessenes Kapitel zu ergänzen. Klee habe die jungen amerikanischen Künstler beeinflusst, die sich vom geometrischen, abstrakten Stil und vom Surrealismus befreien wollten. Klees kryptische Zeichen, die Möglichkeiten, die er bezüglich jeder Art von Komposition und jeder erdenklichen formalen Frage aufzeigte, habe der jungen Generation der abstrakten Expressionisten in der Zeit der 1940er und 1950er Jahre einen befreienden Weg gewiesen. Die bisher selten oder nie ausgestellten Werke stammten hauptsächlich von amerikanischen Sammlern, darunter so bekannte Persönlichkeiten wie Katherine Dreier und Walter und Louise Arensberg, von Künstlern wie Alexander Calder, Mark Tobey oder Andy Warhol, dem Schriftsteller Ernest Hemingway und den Architekten Walter Gropius und Philip Johnson.[118] Unter den ausgestellten Werken befand sich beispielsweise die Zwitscher-Maschine aus dem Jahr 1922.[119]

„Klee trifft Picasso“

Hommage à Picasso, 1914, Öl auf Karton, Zentrum Paul Klee, Bern

Zum fünfjährigen Bestehen des Zentrums Paul Klee fand von Juni bis September des Jahres 2010 in Bern eine Sonderausstellung mit etwa 180 Exponaten statt: „Klee trifft Picasso“, die die Bezüge zwischen den beiden fast gleichaltrigen Antipoden herstellt. Beide Künstler haben ähnlich radikal mit künstlerischen Traditionen gebrochen. Sie waren sich in ihrem Leben nur zweimal begegnet: 1933 besuchte Klee Picasso in seinem Pariser Atelier, und 1937 erfolgte ein Gegenbesuch Picassos, der mit Verspätung im Berner Atelier eintraf und Klees Arbeiten lange, aber kommentarlos betrachtete. Die Auseinandersetzung mit Picasso war geprägt von Faszination einerseits und Abwehr andererseits, sie hat in Klees Werk Spuren hinterlassen und floss in seine Schriften zur Kunst ein. Sein Gemälde Hommage à Picasso aus dem Jahr 1914, gemalt im typisch kleinen Format, griff den Stil der neuen Kunstrichtung des Kubismus auf. Es entstand, nachdem Klee kurz zuvor seine ersten Picasso-Bilder bei dem Berner Sammler Hermann Rupf gesehen hatte. In Klees Œuvre ist es die einzige einem anderen Künstler gewidmete Arbeit. In einem Artikel in der Schweizer Zeitschrift Die Alpen lobte er den Kubismus als Kunstrichtung der Zukunft.

Die Kuratorin der Ausstellung, Christine Hopfengart, geht davon aus, dass Picasso sich von den ironischen, karikaturhaften Motiven in Klees Werk beeinflussen ließ. Beide Maler arbeiteten in den 1930er Jahren mit deformierten Figuren. Klee schien sich stärker gegen das ungeliebte Vorbild wehren zu müssen. Einige Zeichnungen, die Klee nach Picassos Besuch in Bern schuf, sind – psychologisch interessant – als Parodien auf den Konkurrenten erkennbar. Malte der vitale Picasso Minotaurusmotive wie 1933 die Bacchantenszene mit Minotaurus, wurde bei Klee aus dem gewaltigen Stier ein „Urch“, ein eher friedliches, schwerfälliges Wesen. Das Wort ist zusammengesetzt aus „Ur“ und „Ochse“. Klee bezeichnete Picasso als den „Spanier“, während Picasso seinen Schweizer Kollegen mit dem Namen „Blaise Napoléon“ bedacht haben soll. „Napoléon“ zielt auf die straffe Haltung Klees, während „Blaise“ für Blaise Pascal steht; Picasso, als kraftgeladener Mann, spielte damit auf das Vergeistigte in Klee an.[120][121]

Klee und der Japonismus

Ohne Titel (Zwei Fische, zwei Angelhaken, zwei Würmer), 1901, Feder und Aquarell auf Karton, Zentrum Paul Klee, Bern

In einer Ausstellung im Zentrum Paul Klee wurde 2013 erstmals auf die Beschäftigung Paul Klees mit ostasiatischer Kunst verwiesen. Sie lief bis zum 12. Mai unter dem Titel Vom Japonismus zu Zen. Paul Klee und der Ferne Osten. Der Japonismus war in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts in Europa und besonders in Frankreich beliebt und erreichte 20 bis 30 Jahre später Deutschland. Klee schuf unter diesem Einfluss zwischen 1900 und 1908 einige Werke, in denen die Einflüsse japanischer Farbholzschnitte (Ukiyo-e) sichtbar sind, setzte diese später fort, beschäftigte sich ab 1933 mit dem Zen-Buddhismus und mit der Kalligrafie. Klees Werk galt vor dem Zweiten Weltkrieg in Japan als kultureller Vermittler zwischen japanischer Tradition und westlicher Moderne und gelangte in der Nachkriegszeit zu großer Bekanntheit.[122]

Archiv, Museen und Schulen mit Bezug zu Klee

Das „Paul Klee-Archiv“ der Friedrich-Schiller-Universität in Jena beherbergt seit 1995 innerhalb des von Franz-Joachim Verspohl aufgebauten Kunsthistorischen Seminars der Universität eine umfangreiche Sammlung zu Paul Klee. Sie umfasst die in mehr als dreißig Jahren zusammengetragene Privatbibliothek des Buchsammlers Rolf Sauerwein mit annähernd 700 Titeln, bestehend aus Monographien über Klee, Ausstellungskatalogen, umfangreicher Sekundärliteratur sowie original illustrierten Ausgaben, einer Postkarte und einem signierten Fotoporträt Klees.[123][124]

Zentrum Paul Klee, Bern

Im Juni 2005 wurde das vom Architekten Renzo Piano geplante Kulturzentrum und Museum Zentrum Paul Klee in Bern eröffnet. Aus der weltweit größten Sammlung Klees von etwa 4000 Werken werden jeweils etwa 150 Arbeiten halbjährlich in Wechselausstellungen präsentiert. Der umfangreiche Sammlungsbestand macht es unmöglich, alle Werke auf einmal zu zeigen. Auch benötigen die Arbeiten Klees wegen ihrer Empfindlichkeit, die auf der technisch experimentierfreudigen Arbeitsweise des Künstlers beruhen, Ruhephasen. Er hatte beispielsweise äußerst lichtempfindliche Farben, Tinten und Papiere verwendet, die bei zu langer Verweildauer in den Ausstellungsräumen ausbleichen, sich verändern, beziehungsweise die Papiere verbräunen und brüchig würden.[125]

Im San Francisco Museum of Modern Art befindet sich die umfangreiche Klee-Sammlung von Carl Djerassi. Ebenfalls bekannt sind die Klee-Abteilungen der Sammlung Rosengart in Luzern, der Albertina in Wien und der Sammlung Berggruen in Berlin.

In Gersthofen, Lübeck (Hochschulstadtteil), Klein-Winternheim, Bad Godesberg, Berlin-Tempelhof, Overath, seinem Geburtsort Münchenbuchsee und Düsseldorf wurden nach ihm Schulen benannt.

Laisser un commentaire